"GEORGES MÉLIÈS - O PRIMEIRO MAGO DO CINEMA" (5 DVD'S)

Sem dúvida, o mais ambicioso e caprichado lançamento da Cult Classic e um presente de Natal perfeito. O chamado digistack (álbum com 5 DVD's) de Georges Méliès interessa, entre outras coisas, por ser a coleção de filmes curtos do grande ilusionista do Cinema, pioneiro do fantástico e da magia na tela. Abrindo com bom documentário de Georges Franju (de "Os Olhos sem Rosto") sobre o artista - "O Grande Méliès", creio que dos anos 50, com seu filho André, um quase sósia, em seu papel - prossegue o DVD com a arte de Méliès em muitas invenções, truques, efeitos e até algumas surpresas mais sérias (e estamos no final do século 19 !). Exemplos são uma superprodução de "Joana D'Arc" colorida à mão, a versão delirante do "Barba Azul" e (também a cores) uma apressada história da "Cinderella". O humor, sem nunca ser do gênero pastelão, contudo se encaixa melhor no resto, com técnicas primitivas que, com o tempo, vão se tornando mais aprimoradas e maduras. Mas já vi cerca de 60 curtas... e isso APENAS NO PRIMEIRO DVD !

Cabeças fora do corpo, uma recorrência - Méliès mostra as suas num número musical em conjunto de "O Homem Orquestra"

"BOUDU SALVO DAS ÁGUAS"

     Boudu (Simon) e seu benfeitor (Granval): salvar um mendigo do Sena e ter de  pagar por isso...
     
     (Boudu sauvé des Eaux)
     Direção de Jean Renoir, 1932
     Roteiro de Jean Renoir & Albert Valentin
     Foto (p/b) de Georges Asselin
     Música (flauta) de Jean Boulet
     Elenco: Michel Simon, Charles Granval, Sévérine Lerczinska, Marielle Hainia, Jean Debret,
                  Max Dalban.

    A distribuidora Colecione Clássicos, relativamente nova na praça, vem brindando os amantes do Cinema com DVD's raros, inéditos e expressivos de seu acervo ainda modesto. Tal ocorre com esta saborosa comédia crítica de Jean Renoir de 1932, baseada em peça francesa e que nos chega em cópia cuidadosamente restaurada.  Mendigo sujo, cabeludo e barbudo (Michel Simon, magistral) em crise de tédio resolve se atirar ao rio Sena. É salvo de afogamento por misericordioso livreiro (Charles Granval) que o acolhe em sua casa.  Lá, onde atura uma mulher fútil e tipicamente burguesa (Marielle Hainia) e tem por amante sua jovem criada  (Sévérine Lerczinska), o patrão se aborrece com as constantes críticas a seu mal educado e incorrigível "hóspede", que, não obstante, seduz por uma noite sua esposa queixosa e ainda lhe arrebata a criadinha...  Com a leveza da flauta que se faz ouvir na trilha, Renoir compensa o risco de teatralismo do interior da casa com inúmeras tomadas ao ar livre, brincando alegremente com a câmera e os cenários naturais. E ninguém no elenco é páreo para Michel Simon, irresistível no seu mendigo de idéias próprias, mas todos o secundam muito bem.       O filme, desconhecido entre nós, teve um remake hollywoodiano de Paul Mazursky em 1986, pasteurizando (e muito) sua graça natural e espontânea com o nome de "Um Vagabundo na Alta Roda", mas em que seu principal deslize foi a incrível substituição de um ator como Michel Simon por Nick Nolte.  

   

                                                

"A CASA SINISTRA"

    (The Old Dark House)
    Direção de James Whale, 1932
    Roteiro de R.C. Sherriff & Ben W. Levy, com base em "Benighted" de J.B. Priestley
    Foto (p/b) de Arthur Edeson
    Elenco: Melvyn Douglas, Raymond Massey, Gloria Stuart, Charles Laughton, Lillian Bond, Boris                    Karloff, Ernest Thesiger, Eva Moore, Brember Wills, Elspeth Dudgeon.

    Um arrepio de medo ou um sorriso maroto ?  Esta realização do versátil James Whale - tanto podia assinar a primeira "A Ponte de Waterloo" e o musical "Magnólia" (Show Boat) como "Frankenstein"
ou "O Homem Invisível" - nos oferece tais opções.  Adapta com brilho sardônico  um original de J.B. Priestley e é entretenimento sombrio dos bons, recebido com frieza  por público e crítica em sua estréia. Hoje é merecidamente cultuado como clássico. Nada como o tempo para ajustar as coisas.
Colhidos por violento temporal nas estradas do país de Gales, um casal (Raymond Massey & Gloria Stuart) com um amigo de carona (Melvyn Douglas), e o par formado por um viúvo rico (Charles Laughton) e uma alegre corista (Lillian Bond) conseguem abrigar-se numa velha casa. Mas que gente mais louca a ocupa! Um idoso efeminado (Ernest Thesiger), sua irmã surda de fervor religioso fanático (Eva Moore) e um assustador mordomo (Boris Karloff), que, dizem, é um perigo quando bebe... Para completar, há mistérios na residência, aos poucos descobertos pelos visitantes - as presenças escondidas do acamado proprietário de 102 anos (feito por uma mulher, Elspeth Dudgeon,
mas creditado como "John" Dudgeon) e seu filho piromaníaco (Brember Wills), irmão dos dois outros antes citados. As tensões aumentam quando o mordomo, após servir o jantar, se refugia na cozinha e "entorna" o que pode, ameaçando a jovem e bonita senhora casada.

O mordomo embriagado (Karloff) apavora a bela Gloria Stuart (longe de ser a velhinha de "Titanic")

Num duelo verbal entre cavalheiros, o galante "carona" dissuade o viúvo endinheirado a ter alguma posse sobre a simpática corista e os dois se enamoram. Mas o velho incendiário está solto, disposto a
por fogo na casa, é preciso confiá-lo ao truculento mordomo... Um elenco de excelentes intérpretes (ingleses como o diretor Whale) dá conta dos variados personagens sem perder o "timing" alucinado
das situações, assinalando-se a estréia algo discreta de Charles Laughton em Hollywood e a participação menor, mas não menos impressiva (é o primeiro nome dos créditos) do grande Boris Karloff, vindo do sucesso de "Frankenstein".

"A ÓPERA DOS TRÊS VINTÉNS"

(Die 3 Groschenoper)
Direção de G. W. Pabst, 1931
Texto de Bertolt Brecht
Adaptação de Béla Balàsz, Léo Lania & Ladislaus Vajda
Música de Kurt Weill
Foto (p & b) de Fritz A. Wagner
Elenco: Rudolf Forster, Carola Neher, Reinhold Schünzel, Lotte Lenya, Fritz Rasp, Valeska Gert,
Ernst Busch e outros.

Forster (Mackie), Schünzel & Carola Neher: o comissário de polícia entre os noivos na cerimônia.

"A Ópera dos Três Vinténs", de G.W. Pabst ("A Caixa de Pandora") é uma muito bem sucedida versão do espetáculo teatral de Bertolt Brecht, com música do imprescindível parceiro Kurt Weill

(o autor de "September Song", "Speak Low" e outras belezas). Consta que Pabst se surpreendeu com o comentário de Adolf Hitler de que o filme "convinha bastante à desmoralização do inimigo inglês", o que lhe rendeu um certo afeto por parte do Führer, que, não obstante, incluía sem que ele imaginasse o reverso da moeda. De fato, focaliza uma Londres decadente, cheia de miséria, assaltos

e corrupção, tendo um astucioso bandido, Mackie Navalha - o "Mack the Knife" da música - como ponte entre duas camadas sociais, a marginalidade e as autoridades constituídas. Brecht e, por conseguinte, Pabst traçam um perfil cínico e inteligente desses polos extremos, que convergem para acordos escusos entre a polícia e a bandidagem. E Pabst faz bom Cinema, embora oriundo do teatro.

A atriz e cantora Lotte Lenya (aqui ainda Lenja), a assustadora vilã de "Moscou contra 007" muito adiante e mulher de Kurt Weill na vida real, marca no papel secundário da prostituta Jenny, louca de amor pelo indiferente e mulherengo Mackie (muito bem defendido pelo ator Gustav Forster) - e, na verdade, todo o elenco principal atua com competência. Quando Mackie se vê na contingência de fugir para não ser pego, deixa sua mulher (Carola Neher), a filha do "fabricante" de mendigos (Fritz Rasp), cuidando de seus negócios e esta o faz prosperar, comprando um banco e com isso fazendo da

atividade de roubos e assaltos uma coisa superada.

"A Ópera dos Três Vinténs" importa ainda para dimensionar-se o talento de Pabst antes de aceitar as benesses do nazismo, quando perdeu seu prestígio e deixou de ter o controle autoral sobre seus trabalhos antes tão respeitados. Só veio a reerguer-se numa espécie de "mea culpa" em meados dos anos 50 e próximo ao fim de sua carreira, com "O Ato Final" (Der Letze Akt), onde mostrava os podres de Hitler, sobretudo na memorável seqüência da inundação de Varsóvia. Mas já era tarde para

voltar a ser o que era. 

Nos anos 80 teve uma adaptação brasileira irregular na "Ópera do Malandro", de Chico Buarque, onde Jenny ("Geni") era um homossexual da periferia ("Joga pedra na Geni/ Joga bosta na Geni/ Maldita Geni !") na antiga Lapa. A comparação só beneficia mais o filme de Pabst, Brecht & Kurt Weill.

"CONTOS DA LUA VAGA"

(Ugetsu Monogatari)

Direção de Kenji Mizoguchi, 1953

Roteiro de Matsutaro Kawaguchi & Yushitesti Yoda

Foto (p & b) de Kazuo Miyakawa

Música de Fumio Hayasaka

Elenco: Masayuki Mori, Machiko Kyo, Kanuyo Tanaka, Sazae (Eitaro) Ozawa, Mitsuko Mito.


No Japão feudal do século 16, a guerra civil e suas conseqüentes barbáries obrigam dois modestos casais vizinhos a deixar suas casas e tentar novo caminho pelo mar. São eles um caprichoso oleiro (Masayuki Mori, o intérprete de "O Idiota"), um estouvado pretendente a samurai (Eitaro Ozawa) de armadura e espada compradas na feira e suas respectivas mulheres (a doce Kanuyo Tanaka e a mais ardente Mitsuko Mito). O mar, contudo, apresenta o perigo dos piratas e o grupo desiste de seu intento. Em breve o oleiro se acha vendendo suas belas peças de cerâmica para uma jovem nobre
(Machiko Kyo), seduzido por ela e, esquecendo-se da esposa e do pequeno filho, habitando seu solar,
onde com ela se casa e desfruta de incontáveis prazeres. A descoberta de que se deixou enfeitiçar por
um fantasma que, sendo do Mal, precisa ser exorcizado, faz despertar no homem seu arrependimento
e seu repúdio a tal situação, embrenhando-se na mata para tentar a volta a casa.
Kenji Mizoguchi, um dos mais respeitados nomes do Cinema japonês desde a era do silencioso, apóia
-se em duas ou três histórias sobrenaturais de um eminente especialista no gênero para este seu muito aplaudido trabalho. Ao mesmo tempo, coloca em vivas imagens a violenta realidade que é cenário do filme fora da "morada de sonhos" de cunho fantasmagórico, com a guerra civil propiciando saques, a dissolução de famílias e a prostituição de mulheres (de que é vítima, após ser rudemente violentada por rebeldes, a esposa do vizinho e amigo fanfarrão). Dois novos excelentes desempenhos, tanto de Masayuki Mori no protagonista como de Machiko Kyo no seu ambíguo papel mágico, consagram essa dupla proveniente do super clássico "Rashomon" (1950) de Akira Kurosawa, junto a um elenco harmonioso e soberbas fotografia (de Kaziro Miyagawa) e música (de Fumio Hayasaka), ambas de beleza tipicamente nipônica. Um filme certamente merecedor do prestígio que até hoje mantém.

    A volta ao lar: Genjuro, com orações de Buda no corpo, aturdido com acusações de ser um fugitivo.

"A FACE DO OUTRO"

    O monstro e o médico (Tatsuya Nakadai & Eiji Okada) na concepção do talentoso Hiroshi Teshigahara.

    (Tanin no Kao)

    Direção de Hiroshi Teshigahara, 1966.

    Elenco: Tatsuya Nakadai, Eiji Okada, Eiko Muramatsu, Machiko Kyo, Etsuko Ichihara

    Bela ficção do cinema japonês, do realizador da então nouvelle-vague de lá e do inesquecível
    "A Mulher da Areia". Seu protagonista é o excelente Tatsuya Nakadai, descoberto por Akira
    Kurosawa ("Yojimbo", "Sanjuro") e orientado por este a substituir Toshiro Mifune quando da
    sentida separação de ambos após "O Barba-Ruiva" (1965), destacando-se em "Kagemusha" 

    e "Ran". Vítima de um acidente que o desfigurou. Nakadai procura um jovem psiquiatra (Eiji 

    Okada) que agora se dedica a minimizar os traumas de seus pacientes com enxertos sintéticos
    de membros danificados. Mas o caso de Nakadai é mais delicado - ele precisa de um rosto,
    para reconquistar a mulher (Machiko Kyo, de "Rashomon") e sua sólida posição social. Uma vez
    tentada com êxito uma máscara perfeita e usada com cuidado, a incomodidade de sua        
    preservação e as angústias do paciente quanto à sua identidade o conduzem a uma nova e mais 

    séria crise.
    Muitos se lembram de filmes como o americano "O Segundo Rosto" (também de 1966), de John
    Frankenheimer, ou mesmo do notável grand guignol francês "Os Olhos Sem Rosto" (1960), de
    Georges Franju, para discutir o tema da individualidade que Teshigahara coloca com inteligência,
    domínio cinematográfico e muita propriedade autoral. Dá margem, inclusive, para o ingresso de
    outros personagens - a esposa ardilosamente seduzida com a utilização da máscara, o casal de
    irmãos que cede ao impulso incestuoso - sem perder o prumo.